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Theaterakademie August Everding
August Everding
Theaterakademie August Everding ist ein in dieser Form einmaliges Lehr- und Lerntheater mit Aufführungen im Prinzregententheater
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| Vortrag
Einführungsvortrag im Rahmen von „A Suite of Dances - A Day In The Studio“
Tanzwerkstatt Europa
Im Rahmen des EU-geförderten Programms DanceMap hat das Dance On Ensemble ein bedeutendes Tanzwerk des 20. Jahrhunderts rekonstruiert und eine zeitgenössische Antwort darauf in Auftrag gegeben. Die Tanzwissenschaftlerin Gabriele Kroos begleitet die Aufführungen von Noa Eshkols Suite of Dances und Noé Souliers A Day in the Studio mit einer Einführung. Über fünf Monate hinweg nahm sie an Proben teil, während Eshkols Werk rekonstruiert und Souliers neues Stück entwickelt wurden. Bei der Tanzwerkstatt Europa spricht sie über die Rekonstruktion dieses Werks aus den 1960er Jahren, das bislang nie außerhalb der Eshkol Chamber Dance Group aufgeführt wurde, sowie über Souliers künstlerische Antwort darauf und die Bedeutsamkeit dieses Projekts. Außerdem reflektiert sie die Rolle des Dance On Ensembles, einer Kompagnie professioneller Tänzerinnen über 40, deren Erfahrung und Wissen diese Werke prägen, und zeigt, dass es bei diesen Aufführungen genauso um die Tänzerinnen geht wie um die Choreografie. Gabriele Kroos ist Choreografin, Tanzwissenschaftlerin und Doktorandin im Fach Critical Dance Studies an der Freien Universität Berlin. Sie hat einen BFA in Tanz und Choreografie von SUNY Purchase und einen MA der FU Berlin. Als ehemalige künstlerische Leiterin der krooscompany wurden ihre Arbeiten vom National Arts Club und der Rockefeller Foundation beauftragt und in der New York Times, dem New Yorker und der Village Voice rezensiert. Sie ist als Tanzwissenschaftlerin für DanceMap tätig. Ihre wissenschaftliche Arbeit widmet sich der wichtigen Bedeutung der Tänzer*innen für die Erhaltung des Tanzerbes und der Tanzarchive. In englischer Lautsprache Barrierefrei
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Workshop zu elektroakustischer Musik Vincent Scheers
Haus der Kunst
Experimentierst Du gerne mit Sound? Würdest Du gerne mehr über elektro-akustische Musik erfahren? Dann nimm an diesem Workshop mit dem Künstler Vincent Scheers teil. In den drei Stunden geht es ums Hören, Experimentieren und Selberbauen. Die Teilnehmenden lernen das Open Atelier und sein Equipment kennen, experimentieren mit Synthesizern, Drum Machines, Effekten und ungewöhnlichen Mikrofonen, und entdecken wie Sounds entstehen und verändert werden können. Eigene Instrumente aus Oszillatoren oder Kontaktmikrofonen werden gebaut und gelötet, während grundlegende Prinzipien des Synthesizerbaus, Sounddesigns und der Musikproduktion vermittelt werden. Im gemeinsamen Musizieren entsteht Raum für Improvisation, Austausch und Experiment. Zum Abschluss gibt es eine Listening Session mit den entstandenen Ergebnissen. In den Öffentlichen Workshops sind alle Altersklassen willkommen. Kommt allein, mit Familie oder Freund*innen! Kinder ab 10 Jahren können mit einer erwachsenen Begleitung teilnehmen. Bitte kaufen Sie für alle Teilnehmer*innen ein Workshopticket. Ein zusätzliches Ausstellungsticket ist nicht notwendig. Der Treffpunkt für den Workshop ist im Atelier. Vincent Scheers ist ein belgischer Künstler und Kunstpädagoge, dessen Praxis sich zwischen Bildhauerei, Film und Sound bewegt. Seine Arbeiten beschäftigen sich mit Fragen von Care(-Arbeit) und Fürsorge (geprägt durch seiner Arbeit im Gesundheitswesen), sowie mit Institutionskritik. Scheers studierte Druckgrafik (B.A.) und Bildende Kunst (M.F.A.) an der Königlichen Akademie der Schönen Künste in Antwerpen. Im Jahr 2023 schloss er sein Studium an der Akademie der Bildenden Künste München ab. 2024 wurde er mit dem Ars-Viva-Preis des Kulturkreises der Deutschen Wirtschaft ausgezeichnet. Für mehr Informationen wenden Sie sich gerne an Sarah John: john@hausderkunst.de Sprache: Deutsch Eintritt: 12 € inkl. Eintritt in die Ausstellung „Steina: Playback“ und Material Wir möchten, dass unsere Programme allen Menschen zugänglich sind. Über unseren Partner KulturRaum München können Interessierte mit geringem Einkommen kostenlos und unbürokratisch ein Ticket erhalten. Weitere Informationen finden Sie hier: www.kulturraum-muenchen.de/kartenvermittlung/.
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Smadar Goshen
Smadar Goshen
“Gaga/dancers”
Tanzwerkstatt Europa
Gaga – eine revolutionäre Bewegungssprache, die Ohad Naharin über viele Jahre hinweg parallel zu seiner Arbeit als weltberühmter Choreograf entwickelt hat. Gaga-Kurse entfesseln eine umfassende Aktivierung des Körpers und körperlicher Empfindungen. Sie schaffen einen Raum, um den Körper zu entdecken und zu stärken und Flexibilität, Ausdauer, Beweglichkeit und Fähigkeiten wie Koordination und Effizienz zu verbessern, während gleichzeitig die Sinne und die Fantasie angeregt werden. Durch vielschichtige Aufgaben werden vernachlässigte Körperbereiche wieder aktiviert, das Bewusstsein für Gewohnheiten geschärft und die Effizienz von Bewegungen verbessert. Der intensive Kurs Gaga/dancers richtet sich an Profi-Tänzer:innen und fortgeschrittene Tanzschüler:innen ab 16 Jahren. Er schärft und vertieft das Bewusstsein der Tänzer:innen für körperliche Empfindungen, erweitert ihre Palette verfügbarer Bewegungsmöglichkeiten, verbessert ihre Fähigkeit, ihre Energie zu regulieren und ihre explosive Kraft gezielt einzusetzen, und bereichert ihre Bewegungsqualität um eine Vielzahl von Texturen. Die Verbindung von vertrauten Fähigkeiten mit Gaga-Aufgaben stellt die Tänzer:innen vor ganz neue Herausforderungen, und im Laufe des Unterrichts werden sie aufgefordert, sich auch zu ungewohnten Orten und Bewegungsformen vorzutasten, um die Unendlichkeit ihrer Möglichkeiten zu entdecken. Die Tänzer:innen werden angeleitet, ihre Anstrengung mit Freude zu verbinden und zu entdecken, welche Vorteile es hat, auch mal albern zu sein. Smadar Goshen ist Choreografin, Tänzerin, zertifizierte Gaga-Lehrerin, Gyrotonic- und Gyrokinesis-Trainerin. Sie absolvierte ihren Bachelor in Tanz und ihren Master in Choreografie an der Jerusalem Academy for Music and Dance. Seit 2011 werden ihre Arbeiten auf verschiedenen Plattformen weltweit aufgeführt. Im Jahrbuch des Magazins tanz 2023 wurde Smadar als eine der 10 vielversprechendsten Pionier:innen für den Tanz in Deutschland geehrt. Derzeit vertritt sie als Choreografin im Rahmen des Netzwerks Réseau GRAND LUXE die Tanzabteilung des Theaters Freiburg. Von 2024 – 2026 wird sie von der Landeshauptstadt Stuttgart und dem Landesverband Freie Tanz- und Theaterschaffende Baden-Württemberg unterstützt. Advanced 12.00 – 13.15 H Sprache EN
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Ceren Oran
Ceren Oran
“Dance for People – From Ideas to Premieres”
Tanzwerkstatt Europa
Im choreografischen Labor – einem kreativen Erkundungsraum – „Dance for People“ erkundet und enthüllt die Choreografin Ceren Oran die verschiedenen Phasen kreativer Prozesse. Mit ansteckender Leidenschaft und tiefer Expertise teilt sie wertvolle Tools und persönliche Erfahrungen, die die Teilnehmer:innen Schritt für Schritt auf der kreativen Reise begleiten – vom ersten zündenden Gedanken bis zum magischen Moment der Premiere. Gemeinsam tauchen die Workshop-Besucher:innen tief in die Welt der Tanzproduktion ein, hinterfragen Abläufe und entdecken neue Perspektiven: Welche Bedeutung hat eine gezielte Probenvorbereitung? Wie wichtig ist das Casting für den kreativen Prozess? Wie lassen sich Emotionen und Ideen durch Improvisation und kreative Aufgaben in ausdrucksstarke choreografische Bilder umsetzen? Auch das berühmte Prinzip „kill your darlings“ wird zur transformierenden künstlerischen Strategie. Ceren Oran – Tänzerin, Choreografin und künstlerische Leiterin der Münchner Kompanie Ceren Oran & Moving Borders – steht für eine klare Vision: Zeitgenössischer Tanz gehört als Kunstform sowie als Praxis allen und sollte für alle zugänglich sein! Mit innovativen Performances im öffentlichen Raum, Projekten für junges Publikum und vielfältigen Formaten schafft sie Erlebnisse, die bewegen und verbinden. Ihr Ziel: Kunst zugänglich machen, Grenzen aufbrechen und ein Publikum erreichen, das so vielfältig ist wie der Tanz selbst. Ceren Oran wurde 2025 für ihr Tanzstück »Gute Wut« mit dem renommierten Deutschen Theaterpreis DER FAUST in der Kategorie Regie Kinder- und Jugendtheater geehrt. Zudem erhielt sie 2022 den Förderpreis Tanz der Stadt München. Professionals 17.00 – 19.00 H Sprache EN/DE
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Frédérick Gravel
Frédérick Gravel
“Consciousness, Intentions, Jamming and Instant Composition”
Tanzwerkstatt Europa
Wie gehen wir mit dem um, was wir bereits tun – und mit dem, was aus der Perspektive des Publikums längst sichtbar ist? Dieses Lab widmet sich genau diesem Spannungsfeld: dem bewussten Arbeiten mit dem, was bereits vorhanden ist – auf der Bühne, im Körper, im Denken der Darsteller:innen und im unmittelbaren Moment der Performance. Im Zentrum steht die Improvisation als lebendiger Prozess der Wahrnehmung, Entscheidung und Komposition. Die Teilnehmer:innen erforschen, wie Bewegungen, Impulse und Gedanken in Echtzeit entstehen und wie daraus performative Präsenz entwickelt werden kann. Dabei geht es nicht darum, etwas „hinzuzufügen“, sondern das Potentzial dessen freizulegen, was bereits geschieht. Ein Schwerpunkt des Labs liegt auf dem Bewusstsein und der Entscheidungsfindung innerhalb der Soloimprovisation. Wie entstehen Entscheidungen im Moment? Ein weiterer Teil widmet sich dem Spiel mit Raum, Rhythmus und Musikalität. Die Teilnehmer:innen untersuchen, wie kollektive Aufmerksamkeit entsteht und wie gemeinsames „Jammen“ auf Basis geteilter Informationen funktionieren kann. Besondere Aufmerksamkeit gilt außerdem der Duettimprovisation. Im Fokus stehen Zuhören, Reaktionsfähigkeit, Risikobereitschaft und spontane Komposition im Zusammenspiel mit einem Partner oder einer Partnerin. Ergänzend vermittelt Frédérick Gravel ausgewählte Ausschnitte aus seinem Repertoire, die als praktische Beispiele für Prinzipien des Schreibens, der Komposition und der Improvisation dienen. So eröffnet das Lab zugleich einen Einblick in seine künstlerische Praxis und Arbeitsweise. Frédérick Gravel ist Choreograf, Tänzer, Musiker, Lichtdesigner und künstlerischer Leiter von De La Dance (DLD) in Montréal. Er entwickelte Arbeiten für renommierte Kompanien wie Carte Blanche, tanzmainz und betreibt gemeinsam mit langjährigen Weggefährt:innen der Montréaler Szene kontinuierliche künstlerische Forschung. Die aus dieser Zusammenarbeit entstandenen Werke touren seit 2009 international und sind für ihre rohe Energie, musikalische Direktheit und radikale Bühnenpräsenz bekannt. Professionals 12.00 – 16.30 H Sprache EN
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Winston Reynolds
Winston Reynolds
“Frames of Practice”
Tanzwerkstatt Europa
Entdecke eine neue Dimension von Bewegung, Wahrnehmung und Zusammenarbeit. In diesem Workshop entwickelst du eine nachhaltige, hybride Bewegungspraxis, die Körper und Geist gleichermaßen stärkt. Zwei eng miteinander verwobene Forschungsansätze eröffnen dir neue Wege, dich zu bewegen, zu reagieren und kreativ auszudrücken. Im ersten Teil schärfst du deine körperliche Intelligenz durch die Verbindung von sportlichen, somatischen und künstlerischen Praktiken. Mit Microbatics, einer Technik, die ihren Schwerpunkt auf kleine, subtile und effiziente akrobatische Variationen statt auf große, kraftvolle Bewegungen setzt, Improvisation, spielerischen Aufgaben und dynamischer Fortbewegung verbesserst du körperliche Kraft, Geschicklichkeit, Beweglichkeit und Elastizität. Gleichzeitig lernst du, deine Aufmerksamkeit zu bündeln, mentale Klarheit zu entwickeln und aus einer stabilen, geerdeten Perspektive heraus zu handeln. Der zweite Teil richtet den Fokus auf Forschung und Zusammenarbeit. Du erforschst akrobatische Formen, improvisatorische Strukturen und Partnerarbeit – und entdeckst, wie Verbindungen zu deinem Umfeld entstehen: durch Präsenz, Wahrnehmung und den gemeinsamen Raum. Wie reagieren wir darauf, gesehen zu werden? Wie bringen wir uns durch Bewegung ein? Hier entstehen neue Impulse für authentische Interaktion und kreativen Ausdruck. Im Kurs „Advanced Plus“ steht nicht das Erlernen, sondern das Verfeinern im Mittelpunkt. Hier entwickelst du Eigenständigkeit, schärfst deine kompositorische Präzision und übersetzt erlernte Werkzeuge in eine unverwechselbare, persönliche Bewegungssprache. Wie beeinflusst dein Training deine künstlerische Handschrift, deine Performance und deine kreative Entscheidungsfindung? Genau hier setzt die Arbeit an. Dieser Workshop richtet sich nicht nur an darstellende Künstler:innen, sondern an alle, die Bewegung als Ausdrucksform begreifen wollen. Du erforschst, wie sich Form, Empfindung und Intention zu einer lebendigen, kohärenten Sprache verbinden lassen – authentisch, kraftvoll und individuell. Für Profis bietet der Workshop die Möglichkeit, technische Präzision zu vertiefen, das eigene Bewegungsrepertoire zu erweitern und frische Impulse direkt in die bestehende Praxis zu integrieren. Ein intensives Erlebnis für alle, die Bewegung nicht nur ausführen, sondern wirklich verstehen und gestalten wollen. Winston Reynolds ist Bewegungskünstler, Choreograf und Pädagoge im zeitgenössischen Tanz, Zirkus und Physical Theatre. Er arbeitet international, u.a. in Tempo (Melo & Nio, Welttournee seit 2025), und mit Choreografen wie Kalle Nio oder Alexander Vantournhout. Als langjähriger Mitarbeiter von Yoann Bourgeois wirkte er als Performer und choreografischer Assistent an verschiedenen Projekten mit und arbeitet aktuell an neuen Kreationen für Bühne und Film. Zudem entwickelt er eigene Arbeiten, u.a. mit der Ballet Akademie in Schweden. Ausgebildet an der Circomedia in Bristol und der Fontys Academy for Circus and Performance Art in Tilburg, basiert seine Praxis auf akrobatischem Tanz und Partnering. Seine Forschung zur Mikroakrobatik untersucht Anpassungsfähigkeit und Wahrnehmung. Neben seiner Bühnenarbeit unterrichtet er international und ist Teil des Forschungskollektivs Ferus Animi // Terra Nova. Advanced Plus: 9.30 – 11.30 H Professionals: 12.00 – 14.00 H Sprache EN
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Ana Selina
Ana Selina
“Whacking Foundation & Improvisation”
Tanzwerkstatt Europa
“For me, Whacking means community, authenticity, and radical self-expression. It teaches us life: to embrace our emotions and to show up – for ourselves and others.” – Ana Selina Whacking (auch bekannt als Waacking) entwickelte sich in den 1970er-Jahren aus dem Tanzstil Punking in queeren Clubs wie dem Paradise Ballroom oder dem Gino II in Los Angeles. Ursprünglich zu Funk und Disco getanzt, ist der Stil heute von schnellen Armbewegungen, Ausdrucksstärke und Präzision geprägt. Whacking ist ein energiegeladener, dynamischer Tanzstil, der oft an die Theatralik von Stummfilmen oder Cartoons wie „Batman” oder „Bugs Bunny” erinnert und sich von dem Tanzstil Voguing aus New York City abhebt. In ihrem Unterricht für fortgeschrittene Tänzer:innen, die den Stil noch nicht kennen oder bereits erste Erfahrungen gemacht haben, verbindet Ana Selina Technik, Musikalität und Improvisation mit kulturellem Kontext. Dabei legt sie besonderen Wert auf die Wurzeln in der queeren BIPOC-Clubkultur und fördert sowohl individuellen Ausdruck als auch das Miteinander in der Gruppe, statt den Fokus auf den Spiegel zu legen. Ana Selina ist leidenschaftliche Whacking-Tänzerin und prägt seit 2017 aktiv die Entwicklung der deutschen Whacking-Szene. In Berlin engagiert sie sich durch regelmäßige Klassen, Jams, Intensives sowie Community- und Eventarbeit für den Aufbau und die Stärkung der Szene. Sie ist Mitgründerin des gemeinnützigen Vereins to the floor e.V., Co-Organisatorin des Festivals 4 to the floor sowie Mitinitiatorin von Jack & Pose. Mit 18 Jahren Bühnenerfahrung und über 1.000 Stunden Unterricht ist sie international als Jurorin und Lehrerin tätig. Advanced 14.30 – 16.30 H Sprache DE
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Veronica Fischer
Veronica Fischer
“Feldenkrais Intensive”
Tanzwerkstatt Europa
Die Feldenkrais-Methode eignet sich hervorragend, um dein Instrument – deinen Körper – und seine Fähigkeiten in ihrer ganzen Tiefe genau kennen und nutzen zu lernen. Durch organisches Lernen entsteht ein tiefes Verständnis für die angeborene Intelligenz des Körpers, Bewegungen mithilfe seiner inneren Weisheit zu organisieren. Im Einklang mit der inneren Natur werden Bewegungsmuster, die zu Schmerz und Verletzungen führen, aufgebrochen und Wege für einen stressfreien Umgang mit dem Körper eröffnet. Veronica Fischer unterrichtet seit über 40 Jahren Feldenkrais, Yoga und Körperarbeit. Mit beWEGen hat sie eine tiefgreifende Körperarbeit entwickelt, die den Ursprung der menschlichen Bewegung im evolutionären Prozess erfasst. In ihrem Unterricht verbindet sie ihr Wissen als Körpertherapeutin und Feldenkrais-Lehrerin mit ihren Erfahrungen als Tänzerin und Yoga-Praktizierende. All Levels 12.00 – 14.00 H Sprache DE/EN
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Sabine Haß-Zimmermann
Sabine Haß-Zimmermann
“Feldenkrais Intensive”
Tanzwerkstatt Europa
„Wenn du weißt, was du tust, kannst du tun, was du willst. “ – Moshe Feldenkrais Dr. Moshe Feldenkrais (1904-84), der Begründer der nach ihm benannten Methode, war Kernphysiker und erforschte die menschliche Neurophysiologie und Bewegungsmechanik. Die Feldenkrais-Methode regt einen umfassenden Entwicklungsprozess an. Sie ist für alle geeignet, die ihre persönliche Lebensqualität verbessern wollen und dabei einen körperlichen Ansatz wählen. Unter behutsamer Anleitung durch Sabine Haß-Zimmermann erforschen die Teilnehmer:innen ohne Anstrengung und mit gerichteter Aufmerksamkeit die Art und Weise, wie sie sich bewegen. Das bewusste Erspüren feiner Unterschiede ermöglicht es ihnen, eingeschliffene Muster zu erkennen und Alternativen zu finden. Sie lernen, wie sie sich leichter, funktionaler, harmonischer und eleganter bewegen und erweitern so ihren persönlichen Handlungsspielraum. Auf diese Weise öffnet die Feldenkrais-Methode Wege zu einem bewussteren Umgang mit sich selbst und zu mehr Beweglichkeit im Denken, Fühlen und Handeln. Sabine Haß studierte Tanz, Contact Improvisation, Akrobatik, Gesang und Schauspiel in München und New York. Sie hatte zahlreiche internationale Gastspiele, arbeitete jahrelang künstlerisch mit Micha Purucker zusammen und ist Mitglied des Tanztendenz München e.V. Ihre Feldenkrais-Ausbildung absolvierte sie in Heidelberg, wo sie anschließend in weiteren Ausbildungsprogrammen selbst unterrichtete. Sabine Haß lehrt seit 30 Jahren Zeitgenössischen Tanz und die Feldenkrais-Methode. All Levels 12.00 – 14.00 H Sprache DE
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Frank Willens
Frank Willens
“From Within and Without”
Tanzwerkstatt Europa
Wie tanzt der Körper, der alles in jedem Moment machen kann? Wie entscheidet man, wie man anfängt? Wo kommt die Bewegung her und wo führt sie hin? Ist es eine Entscheidung, die wir treffen, oder kommt sie von woanders, jenseits unserer Kontrolle? Welche Rolle spielen die anderen im Raum oder der Raum selbst, die Architektur, das Licht, die Luft, die Geräusche? Gibt es überhaupt einen persönlichen Tanz oder sind wir alle so grundsätzlich von der Umgebung und der Kultur beeinflusst, dass unsere Individualität immer schwieriger zu erkennen wird? Oder ist die Befreiung des Tanzes ein Weg zur Befreiung des Individuums? Die Fragen klingen groß. Vielleicht ist es groß, vielleicht aber auch nicht. In diesem Workshop tanzen wir – tanzen wir wirklich! Frank Willens begleitet euch auf dieser Reise und teilt mit großzügiger Offenheit verschiedene Tools, Ideen und Techniken, die ihn in seinem Leben als professioneller Tänzer, Performer und Choreograf immer unterstützt haben. Es wird mit Improvisation, mit Elementen aus der performativen Kunst, mit kreativen Visualisierungen und mit physischen Dynamiken gearbeitet. Der Kurs ist für alle offen, besonders für Anfänger oder für Menschen ohne Tanzerfahrung geeignet. Er ist so strukturiert, dass jede:r seinen/ihren Weg finden kann, um den Tanz in sich zu erkennen und zu erleben. Frank Willens ist seit 27 Jahren auf der Bühne zu sehen. Als professioneller Tänzer hat er in Las Vegas und Los Angeles bei dem Musical „Notre Dame de Paris” und auf Tour mit Paul McCartney getanzt. Von 2003 bis 2023 lebte er in Berlin wo er u.a. mit Meg Stuart, Tino Sehgal, Susanne Kennedy, Laurent Chétouane, Boris Charmatz und Peter Stamer arbeitete und in zahlreichen Produktionen der freien Szene Berlins mitgewirkte. Er war fest Ensemble-Mitglied der Volksbühne in Berlin und ist seit 2023 Ensemble-Mitglied des Tanztheater Wuppertal Pina Bausch. Parallel dazu entwickelt er eigene choreographische Arbeiten. Beginners 9.30 – 11.30 H Sprache DE/EN
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Chris-Pascal Englund Braun
Chris-Pascal Englund Braun
“Emotional Anarchist”
Tanzwerkstatt Europa
Werde Teil einer Bewegungsrevolution, Teil der emotionalen Anarchie! Dieser Workshop ist eine künstlerische Rebellion – viel mehr als Bewegung. Durchdrungen von der rebellischen Energie der First British New Left der 1950er- und 1960er-Jahre werden wir gewohnte Denkmuster explosiv hinter uns lassen und neue Formen von Praktiken, „direkte Aktion und Demokratie“ (Alan Lovell), entdecken. Als emotionale Anarchist:innen navigieren wir wild durch unsere komplexe Gefühlswelt, tanzen hin- und hergerissen zwischen Abstraktion und Realismus, um bewegte und sich bewegende Bilder zu entdecken. Emotionale Anarchist:innen küssen sich zwischen Tränengas und fliegenden Backsteinen. Emotionale Anarchist:innen erzählen Geschichten von Aufstieg und Verlust. Sie vereinen inneres und äußeres Chaos, und tanzen sich den Schweiß aus den Poren. Emotionen werden wahrgenommen, bevor sie in Worte gefasst werden können. Körpersprache und Berührung sind ultimative, universelle Werkzeuge der Kommunikation. Genau dort setzt der Workshop an und entfaltet sich durch intensive Physikalität und Theatralik. Freu dich auf Improvisation, Drills, Partnerarbeit und Choreografie – getragen von einer sorgfältig ausgewählten Playlist, die dich in neue Welten katapultiert. Chris-Pascal Englund Braun platziert sich an der Schnittstelle zwischen Tanz und Schauspiel. Im Laufe seiner künstlerischen Karriere arbeitete er unter anderem mit Johannes Wieland, Emma Evelein, Victor Rottier und Sebastian Zuber zusammen. Zuletzt war er bei der Produktion „Sleep No More” von Punchdrunk in Seoul beteiligt. Sein choreografisches Debüt feierte er 2025 mit seiner eigenen Kompanie Stabil Dance Company. 2026 wird er am Münchner Volkstheater als Choreograf und Performer zu sehen sein. Advanced Plus 17.00 – 19.00 H Sprache EN
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Charlie Morrissey
Charlie Morrissey
“Continued Adventures of the Apple”
Tanzwerkstatt Europa
Entdecke die Kraft der Kontaktimprovisation! Dieser Workshop bietet dir einen lebendigen Einstieg in die Grundprinzipien der Kontaktimprovisation – offen für alle, die sich gerne bewegen, unabhängig von ihrem Kenntnissen. Erforsche deinen Körper, neue Impulse und entwickle deine eigene Bewegungssprache weiter. Im Zentrum stehen elementare Bewegungsqualitäten wie Rollen, Gewicht verlagern, Fallen und das mühelose Hinein- und Herausgleiten in/ bzw. aus dem Boden. Du erfährst deinen Körper im Dialog mit der Schwerkraft und erkundest spielerisch das Geben und Nehmen von Gewicht sowie das Zusammenspiel von Gleichgewicht und Gegengewicht. Körperliche Intelligenz und ein weites Bewegungsspektrum treffen auf einen praktischen, explorativen Raum, der einen Kontext sowohl für individuelles Erforschen als auch für gemeinsame Erfahrung bietet. Durch klare Strukturen und angeleitete Improvisationen vertiefst du deine kinästhetische Wahrnehmung und entwickelst ein feineres Gespür für Bewegung und ihre Möglichkeiten. Wie hören wir auf den eigenen Körper? Wie entsteht aus diesem inneren Lauschen unmittelbare, authentische Bewegung? Der Titel bezieht sich auf Steve Paxtons Bild vom Newtonschen Apfel – eine Einladung, den Körper in Beziehung zur Schwerkraft und zum fortwährenden Experiment des In-Bewegung-Seins zu betrachten. Charlie Morrissey ist Performer, Lehrer und Regisseur, der seit mehr als 35 Jahren mit Bewegung arbeitet. Seine Praxis ist beeinflusst und inspiriert durch die Zusammenarbeit mit Künstler:innen wie Steve Paxton, Lisa Nelson, Scott Smith, K. J. Holmes, Kirstie Simson, Karen Nelson, Siobhan Davies, Katye Coe, Andrea Buckley, Becky Edmunds und vielen anderen. Er hat in England und international in Theatern, Galerien und ortsbezogenen Kontexten an Performanceprojekten gearbeitet. All Levels 14.30 – 16.30 H Sprache EN
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Virginie Roy
Virginie Roy
“Your Move”
Tanzwerkstatt Europa
Was ist dein nächster Move? Dieser Workshop lädt dich ein, tiefer in deine tänzerische Praxis einzutauchen, dich körperlich, künstlerisch und bewusst weiterzuentwickeln und deine Technik zu verbessern. Tanzen heißt, in Bewegung zu sein, sich bewegen zu lassen – ein Bewegt-Sein. Es verbindet dich mit dir selbst und mit anderen. Auf dieser Grundlage erforschen wir, wie sich technisches Können nicht nur verfeinern, sondern auch kreativ entfalten und neu denken lässt. Durch Improvisation, erlerntes Bewegungsmaterial und gemeinsames Tanzen zu Musik – allein, im Duo und in der Gruppe – entdeckst du neue körperliche Möglichkeiten. Du schärfst dein anatomisches Bewusstsein, entwickelst Bewegungsqualitäten und erlebst Tanz als lebendigen künstlerischen Prozess. Die Inspiration für diesen Kurs kommt aus dem zeitgenössischen Tanz, somatischen Ansätzen, somatic psychology und choreografischen Praktiken. Wir arbeiten im Stehen und am Boden – präzise, forschend und mit Freude an der Bewegung und Begegnung. Den nächsten Schritt machst du! Virginie Roy studierte Tanz am CNSMD Lyon und Tanzpädagogik am CND in Lyon. Sie hat einen einen Master in klinischer Psychologie, ein Diplom in Kunsttherapie an der Universität Paris 8 und ein Postgraduierten-Diplom in klinischer und Gesundheitspsychologie der Universität Wien. Sie arbeitete als Tänzerin/Performerin und/oder choreografische Assistentin u.a. mit Christine Gaigg, Daghda Dance Company, Doris Uhlich, Laurence Levasseur, Noé Soulier, Sabine Glenz, Saskia Hölbling, Yvann Alexandre sowie mit den Regisseuren Andrea Breth, Philippe Arlaud und Philipp Harnoncourt. Sie verbindet diese Erfahrungen in ihrer Praxis als klinische Gesundheitspsychologin und Sportpsychologin, als Tänzerin/Performerin, als Professorin für zeitgenössischen Tanz an der Fakultät für Darstellende Kunst der Musik- und Kunstuniversität und als Lehrbeauftragte für Bewegung und Psychologie an der Sigmund Freud Universität, beide in Wien. Ihre Forschungen, Publikationen und Kooperationen sind von der Idee der Bewegung in physischen und psychischen Räumen motiviert, im zeitgenössischen Tanz, der Architektur und der künstlerischen Diversitätspraxis. Advanced Plus 9.30 – 11.30 H Sprache DE/EN
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Leah Marojević
Leah Marojević
“Dancing Facts and Singing Fictions – VOICES”
Tanzwerkstatt Europa
Ein Workshop, der Körper, Bewegung und Stimme in einen lebendigen Dialog bringt: Die in Berlin lebende Künstlerin Leah Marojević lädt zu einer offenen, praxisorientierten Auseinandersetzung mit Improvisation ein. Das Angebot richtet sich an professionelle Tänzer:innen unterschiedlicher Erfahrungshintergründe und versteht Improvisation als eine vernetzte, körperbezogene Praxis, in der Bewegung und Stimme miteinander in Beziehung treten. Im Mittelpunkt stehen die Erforschung der Stimme und die Frage, wie diese untrennbar mit einem sich bewegenden, tanzenden Körper verbunden sein kann, um Fiktionen, Fakten, Erzählungen und Gefühle zu entdecken und darzustellen. "Dancing Facts and Singing Fictions – VOICES" ist einzeln buchbar, entfaltet sein volles Potentzial jedoch in Kombination mit dem zweiten Kurs „Dancing Facts and Singing Fictions – BODIES“ (9.30 – 11.30 H), der sich vertiefend mit der Begegnung mit dem eigenen und dem Körper der anderen Kursteilnehmer:innen widmet. Leah Marojević ist eine international tätige Künstlerin, die in den Bereichen Performance, Choreografie, Dramaturgie und Lehre arbeitet. Geboren in Süd-London, lebt sie heute in Berlin und hat seit 2014 durch langfristige Kooperationen mit renommierten Künstler:innen wie Colette Sadler, Jefta van Dinther, Theo Clinkard, Ola Maciejewska, Liz Rosenfeld, Billy Bultheel, Megan Rooney, Ewa Dziarnowska und Simone Aughterlony eine vielseitige internationale Praxis entwickelt. Ihre Arbeit umfasst sowohl freie Projekte als auch Auftragsarbeiten für Institutionen wie das Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Danza Contemporánea de Cuba und die Candoco Dance Company. Als Stipendiatin der Tanja-Liedtke-Stiftung im Jahr 2026 wird sie zudem gemeinsam mit dem Iceland Symphony Orchestra eine neue experimentelle Oper realisieren. Professionals 12.00 – 14.00 H Sprache EN
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Leah Marojević
Leah Marojević
“Dancing Facts and Singing Fictions – BODIES”
Tanzwerkstatt Europa
Ein Workshop, der Körper, Bewegung und Stimme in einen lebendigen Dialog bringt: Die in Berlin lebende Künstlerin Leah Marojević lädt zu einer offenen, praxisorientierten Auseinandersetzung mit Improvisation ein. Das Angebot richtet sich an professionelle Tänzer:innen aller Erfahrungsstufen und versteht Improvisation als eine vernetzte, körperbezogene Praxis, in der Bewegung und Stimme miteinander in Beziehung treten. Der Vormittagskurs legt den Fokus auf das Tanzen selbst – als Begegnung mit dem eigenen Körper, als Tanz mit den eigenen Körperteilen, mit anderen Kursteilnehmer:innen, und mit unserer eigenen spekulativen Vorstellungskraft darüber, wie wir über Tanz denken. Dabei entstehen Räume, in denen individuelle Ausdrucksformen ebenso Platz finden wie gemeinschaftliche Erfahrung. "Dancing Facts and Singing Fictions – BODIES" ist einzeln buchbar, entfaltet sein volles Potentzial jedoch in Kombination mit dem zweiten Kurs „Dancing Facts and Singing Fictions – VOICES“ (12.00 – 14.00 H), der sich vertiefend der Arbeit mit der Stimme widmet. Leah Marojević ist eine international tätige Künstlerin, die in den Bereichen Performance, Choreografie, Dramaturgie und Lehre arbeitet. Geboren in Süd-London, lebt sie heute in Berlin und hat seit 2014 durch langfristige Kooperationen mit renommierten Künstler:innen wie Colette Sadler, Jefta van Dinther, Theo Clinkard, Ola Maciejewska, Liz Rosenfeld, Billy Bultheel, Megan Rooney, Ewa Dziarnowska und Simone Aughterlony eine vielseitige internationale Praxis entwickelt. Ihre Arbeit umfasst sowohl freie Projekte als auch Auftragsarbeiten für Institutionen wie das Tanztheater Wuppertal Pina Bausch, Danza Contemporánea de Cuba und die Candoco Dance Company. Als Stipendiatin der Tanja-Liedtke-Stiftung im Jahr 2026 wird sie zudem gemeinsam mit dem Iceland Symphony Orchestra eine neue experimentelle Oper realisieren. Professionals 9.30 – 11.30 H Sprache EN
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| Kurs
Mani Obeya
Mani Obeya
“Dance and Movement Class: Stand”
Tanzwerkstatt Europa
“C'est une révolte? - Non, Sire, c'est une révolution!” (La Rochefoucauld-Liancourt) Aufstände sind ein wiederkehrendes Moment der Menschheitsgeschichte – Ausdruck von Widerstand, Veränderungswillen und kollektiver Bewegung. Von der secessio plebis im antiken Rom über die Französische Revolution bis hin zu den Protestformen der US-Bürgerrechtsbewegung oder auf dem Maidan: Immer waren es Körper im Raum, die politische und gesellschaftliche Dynamiken sichtbar gemacht haben. Ob friedlich, politisch druckvoll oder gewaltsam – jede Form des Aufbegehrens bringt ihre eigene körperliche Sprache hervor. Der Workshop widmet sich genau dieser physischen Dimension von Protest und Aufstand. Ausgangspunkt sind Bildwelten aus sozialen Medien, die als Impulsgeber dienen, um Bewegungen zu untersuchen, zu transformieren und in einem energetisch-dynamischen Tanz-Workshop zu verdichten. Im Fokus steht dabei nicht nur die äußere Form des Protests, sondern auch das, was ihn antreibt: Emotionen, Spannungen, kollektive Energie. Teilnehmende erforschen in diesem Tanzkurs unterschiedliche Rollen innerhalb von Aufständen – von Demonstrierenden über Betroffene bis hin zu vermittelnden Instanzen – und setzen sich mit den dahinterliegenden, getanzten Dynamiken auseinander. Welche Körperhaltungen entstehen in Momenten von Widerstand? Was erzählen sie über Stärke, Verletzlichkeit oder Ambivalenz? Mani Obeya, geboren in Nigeria und aufgewachsen in England, ist Tänzer, Sänger/Songwriter und Choreograf. Seine Ausbildung erhielt er u. a. an der Arts Educational School, beim Ballet Rambert und am Dance Theatre of Harlem. Er war Solist am Theater Heidelberg, Nationaltheater Mannheim und an der Volksoper Wien sowie später Gast bei der Forsythe Company. Es folgten internationale Engagements, darunter eine langjährige Zusammenarbeit mit der Michael Keegan Dolans Kompanie (heute Teac Damsa), mit der er weltweit tourte und auch als Assistent und Probenleiter tätig war. Seit 2004 ist er Sänger der Band Sofa Surfers und wurde mit zwei Amadeus Austrian Music Awards ausgezeichnet. Zudem arbeitet er als Choreograf an renommierten Theatern wie der Deutschen Oper Berlin, dem Deutschen Theater Berlin, dem Theater Bremen, dem Schauspielhaus Dresden und engagiert sich in internationalen Jugendprojekten, u.a. in Nairobi und mit Asylbewerber:innen in Österreich. Advanced: 14.30 – 16.30 H Professionals: 17.00 – 19.00 H Sprache EN
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Smadar Goshen
Smadar Goshen
“Gaga/people”
Tanzwerkstatt Europa
Gaga - eine revolutionäre Bewegungssprache, die Ohad Naharin über viele Jahre hinweg parallel zu seiner Arbeit als weltberühmter Choreograf entwickelt hat. Gaga-Kurse entfesseln eine umfassende Aktivierung des Körpers und körperlicher Empfindungen. Sie schaffen einen Raum, um den Körper zu entdecken und zu stärken und Flexibilität, Ausdauer, Beweglichkeit und Fähigkeiten wie Koordination und Effizienz zu verbessern, während gleichzeitig die Sinne und die Fantasie angeregt werden. Durch vielschichtige Aufgaben werden vernachlässigte Körperbereiche wieder aktiviert, das Bewusstsein für Gewohnheiten geschärft und die Effizienz von Bewegungen verbessert. Die Teilnehmer:innen werden darin gefördert, in Momenten der Anstrengung die Freude am Tanz stärker zu empfinden. Der Gaga/people-Kurs ist offen für Menschen ab 16 Jahren, unabhängig von ihrem Hintergrund in Tanz oder Bewegung. Es sind keine tänzerischen Vorkenntnisse erforderlich. Die Teilnehmer:innen sollten bequeme Kleidung tragen und darauf vorbereitet sein, barfuß oder in Socken zu tanzen. Smadar Goshen ist Choreografin, Tänzerin, zertifizierte Gaga-Lehrerin, Gyrotonic- und Gyrokinesis-Trainerin. Sie absolvierte ihren Bachelor in Tanz und ihren Master in Choreografie an der Jerusalem Academy for Music and Dance. Seit 2011 werden ihre Arbeiten auf verschiedenen Plattformen weltweit aufgeführt. Im Jahrbuch des Magazins tanz 2023 wurde Smadar als eine der 10 vielversprechenden Pionier:innen für den Tanz in Deutschland geehrt. Derzeit vertritt sie als Choreografin im Rahmen des Netzwerks Réseau GRAND LUXE die Tanzabteilung des Theaters Freiburg. Von 2024 – 2026 wird sie von der Landeshauptstadt Stuttgart und dem Landesverband Freie Tanz- und Theaterschaffende Baden-Württemberg unterstützt. All Levels 18.00 – 19.00 H Sprache EN
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| Kurs
GN | MC - Guy Nader | Maria Campos